文：法国美术家协会主席、巴黎美术学院教授  雷米·艾融

在巴黎与画家郭润文先生相遇,已经是多年前的事了。初次见面,用中国的一句话来说"很投缘"。他对周围的一切投以专注，智慧和温柔的目光，去发现事物的本质。这种目光是寻找是注视，它超越了事物的表象，去发现艺术形式的真谛。因为形式是意识的表现，它不仅仅超脱于观念艺术，而且完全不同于当代各种流行趋势泛滥的艺术界。郭先生向我们绝妙的展现了用油画可以通过它本身的材料与规则找寻到极好的现代性。

自此之后，我们又经常会在法国或中国见面，这使我逐渐理解了他的绘画是如何融合了他鲜明的个性。在他的绘画形式中我们可以觉察到，那种用自己的笔触特点去表现的一种渴望的成熟，同时也显示出一种苛求及严格的个性，一个不愿让自己随波逐流于含糊不清的让步和草率。他的绘画作品用明显的光线表达了非常清晰的意愿。

郭先生是敏锐且谨慎的，他通过情感深处多个垂直选择的主题去自我发展。他有别于当今很多用招摇的风格和不协调的色彩去混淆价值的艺术家，不去肤浅的掩饰造型艺术的意图，郭先生用简洁的色调为我们呈现出内心的思考。就像塞尚曾经说过的：“对于画家自然界只有灰色”，也就是说相配的色调。

另外，我们在郭先生的作品中还能发现，19世纪法国各个绘画时期的重大演变过程，如安格尔和库尔贝。这让我们想起正如Stanislas Fumet所说的：“传统是忠实于过去的进步”。

郭先生非常了解自己的作品所带给人们的感受，因为这些感受在他的作品中得到了很好的展示。当我们沉浸在郭先生的作品中，我们也许会自信的停留伫足，也许会因为精神的畅游而短暂的迷失自我，那些鲜活的人物或静止的大自然，让我们感到这静谧的时光仿佛已慢慢的延伸并穿透了岁月，远离尘世的喧嚣。一个手势，一个创造绘画灵感的指引，让我们在那里看到了对于生命的领悟，并带领我们走向幸福传递和谐。

郭先生的绘画作品向我们传递了一个信息，即绘画作品的连续性和永久性是靠一种令人敬佩的对油画绘画技巧的实践与掌握来支撑的。遗憾的是，在西方国家，由于各种原因，这一点却经常被人们所遗忘。

事实上在二十世纪，第一次世界大战之后，存在于西方国家的一些社会动乱彻底混淆了许多艺术家对于绘画工作意义的理解。但是郭先生知道“诗歌无龄”，诗歌的存在与人类本身以及人类在地球上的生存问题交织在一起。生活、爱情、死亡都是艺术中实实在在的主题，而艺术家只是起到传达者的角色。郭先生的绘画作品试图在黑夜的尽头寻找光明的形态，或者更确切地说，为了那些他向我们展示的肖像画寻找光明，为我们在庄严的宁静中展示人的生活，表达对人类存在的悲剧性的质疑。

他对颜料如揉面团般的运用、每个动作姿势以及细节的巧妙处理，都形成了他的艺术风格。造型艺术如诗歌，它来源于色调的差异，绝妙的画面构成包括了平面，空间，内心活动和外在形状，这些一起构成了恰如其分的布局，从而使我们任凭自己那份独有的，珍贵的情感在其中幸福的荡漾。

像许多画家界定他们的作品一样，背景就是我们这个世界，郭先生尤其擅长。他巧妙的运用细微的比例去超越，凭借与实际物质相符的尺寸去制造宏伟的比例上的感觉，从而使我们感受到那种满足和激情。

最后，抛开所有与绘画有关的事情之外，对我们西方画家非常重要的是，去了解这样一位东方的画家，郭润文所延伸出一种出色的写实绘画，这种绘画在一个刚刚开始的新世纪艺术世界中可以平心静气去考虑艺术复兴之路。

2012.5.12